174 Fetiches ideológicos. 6 de Junio, 2015.

Es posible porque es posible. Hasta el 28 de junio, Museo Universitario de Arte Contemporáneo, MUAC, Insurgentes Sur 3000 Centro Cultural Universitario, DF. Miércoles, viernes y domingos 10:00 a 18:00 horas, jueves y sábado 10:00 a 20:00 horas.

Fetiches ideológicos.

El Raqs Media Collective fundado en 1992 en Nueva Delhi, India, por Jeebesh Bagchi, Monica Narula y Shuddhabrata Sengupta es revisado por primera vez en Latinoamérica en una exposición curada por Ferran Barenblit y Cuauhtémoc Medina. Proveniente del Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M) de Madrid, esta exposición después del MUAC viajará a la Fundación PROA de Buenos Aires, Argentina.

El Raqs comenzó cerca de la acción social al participar (2000-13) en el Programa Sarai del Centro para el Estudio de las Sociedades en Desarrollo, Nueva Delhi, el cual se erigió como una red de artistas, especialistas e instituciones que a partir de proyectos editoriales, educativos, culturales o mediáticos buscó incidir socialmente; sin embargo, desde su participación en la Documenta 11 del 2002, el Raqs objetualizó su arte exponiendo en museos y vendiéndolo en galerías.

Un ejemplo de ello es Marks, 2012, una escultura luminosa donde la hoz y el martillo comunistas titilan en tres tiempos convirtiéndose sucesivamente en un signo de interrogación, en uno de admiración y en esta insignia bolchevique, agudo comentario sobre la extraviada situación actual de la izquierda y los sistemas ideológicos. El resto de la exposición se debate entre la rigidez panfletaria y didáctica que implica mezclar comentarios críticos e ideológicos, textos poético-filosóficos y “actos pedagógicos” (Medina) con un pobre entendimiento por parte del Raqs de los procesos formales de la instalación, escultura, performance o vídeo.

J.J. Charlesworth califica al Raqs como “arte para hipsters políticos” incapaz de generar una visión coherente para ir más allá de conjeturas y proponer cambios factibles (e-flux 26Mar2012); resultando así esta exposición una prueba más de cómo los restos ideológicos de izquierda se han convertido en otra mercancía del capitalismo artístico.

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Columna publicada el Sábado 6 de Junio del 2015. Link al sitio original en el diario La Crónica de Hoy:

http://www.cronica.com.mx/notas/2015/902371.html

DESTACADO: Cómo fue promocionada esta columna el 7 de Junio del 2015 en Twitter:

Definitivamente mala exposición la del Raqs Media Collective en el MUAC. Enterate porqué en la columna Artgenetic: http://www.cronica.com.mx/notas/2015/902371.html

DESTACADO: Cómo fue promocionada esta columna el 6 de Junio del 2015 en Facebook. Se incluyen diversas opiniones del 6 y 7 de Junio, 2015:

Raqs Media Collective, post promocional Facebook, 6JUN2015.UNO.

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TRES.

TRES.

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OPINIONES: Dos posts en Facebook sobre esta columna de Cuauhtémoc Medina, Curador en Jefe del Museo Universitario de Arte Contemporáneo, MUAC en Facebook, ambos del 14 de Junio del 2015. Incluye comentarios de este mismo día:

UNO.

UNO.

DOS.

DOS.

173 El Discurso como Holograma. 30 de Mayo, 2015.

Cuando lo Racional Parece Abstracto. Hasta el 17 de junio. Galería Arroniz, Plaza Río de Janeiro 53, Colonia Roma. Lunes a viernes 10:00 a 19:00 horas, sábado 11:00 a 14:00 horas.

El Discurso como Holograma.

Alejandro Pintado es un artista que ha explorado los problemas de la representación en el arte, confrontando tradición pictórica y modernidad artística, racionalidad e intuición creativa, método científico y búsqueda estética. Para ello se ha referido a la tradición paisajística pictórica y el pensamiento científico occidentales en contrapunto a la expansión tridimensional de la pintura empleando una gran diversidad de técnicas, objetos y materiales.

En esta exposición, Pintado al emplear espejos, papeles holográficos, cortes digitales, un aparato lumínico de descomposición de color y confrontarlos con citas a grabados del siglo XVIII alude a la exploración de la luz y el color tanto como fenómenos estéticos como científicos. Una pieza que sintetiza este espíritu es Todo está entendido, 2015, que consiste en la reproducción sobre una tela holográfica de la portada del libro de Isaac Newton, Óptica o un Tratado de las Reflexiones, Refracciones, Inflexiones y Colores de la Luz, 1704, arcaica pero seminal publicación de la física óptica que al ser contrastada con el decorativo efecto de descomposición de la luz de la tela, se torna un sutil e irónico comentario sobre la obsolescencia de los presupuestos científicos más establecidos.

Si en Estados Unidos para The Pictures Generation el consumo mediático influye en las imágenes o en Alemania desde la Nueva objetividad hasta los Becher o Richter se ha explorado la tensión entre percepción y representación, en México artistas como Alberto Gironella, Vlady, Gilberto Aceves Navarro, Manuel Marín, Saúl Villa, José Miguel González Casanova, Ulises García Ponce de León, Javier de la Garza, Carlos Ranc, Germán Venegas, Yishai Jusidman, Mónica Castillo o Santiago Merino han explorado cómo se generan y significan las imágenes desde la tradición pictórica, discurso histórico múltiple al que se suma la producción de Alejandro Pintado.

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Columna publicada el Sábado 30 de Mayo del 2015. Link al sitio original en el diario La Crónica de Hoy:

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DESTACADO: Cómo fue promocionada esta columna el 30 de Mayo del 2015 en Facebook:

¿Es posible pensar en México en una tradición que explore la generación de imágenes paralela a The Pictures Generation en los Estados Unidos o a la que va de la Neue Sachlichkeit a Richter en Alemania?. Parece ser que hay fuertes indicios de ello, un caso que se suma a la posibilidad de que los mexicanos tengan su propia tradición donde se analiza como las imágenes se generan y significan es la exposición que Alejandro Pintado tiene actualmente en la galería Arroniz. Columna Artgenetic de Eduardo Egea, sábado 30 de Mayo, 2015, diario La Crónica de Hoy, disponible impresa en kioskos, Sanborns o digital a través del siguiente link: www.cronica.com.mx/notas/2015/901103.html

172 Cinetismos Supranacionales. 23 de Mayo, 2015.

MOMENTUM: Cinétiko, Óptiko y Geométriko. Hasta el 10 de agosto. Galería Pablo Goebels, Fine Arts. Taine 212, Polanco. Lunes a viernes 11:00 a 18:00 horas, sábado con previa cita.

Cinetismos Supranacionales.

Pablo Goebel Fine Arts inaugura su nuevo espacio con una exposición que borra la frontera entre cinetismo, arte óptico y abstracción geométrica. Conocida por sus muestras de artistas como Carlos Cruz-Diez o Jesús Rafael Soto, esta galería amplía sus alcances con un proyecto curadorial que revisa algunos elementos de la interacción entre forma y conocimiento estético.

Al evitar una rígida división entre movimientos, esta exhibición elimina además las distinciones entre generaciones, nacionalidades o las jerarquías entre artistas consagrados y emergentes: del mismo modo que presenta artistas pioneros como Martha Boto, Francis Celentano, Victor Vasarely, Julio Le Parc, Carlos Cruz-Diez, Jesús Rafael Soto, Ludwig Wilding o Yaacov Agam, incluye artistas jóvenes como Corina Höher, Pablo Tamayo, Emanuela Fiorelli, Tom Chamberlain o Enrique Rosas, quien recién presentó en el Carrillo Gil un proyecto sobre la percepción empleando arte, ciencia y tecnología.

Artistas históricos vinculados temporal o permanentemente al arte mexicano, como Mathias Goeritz, Pedro Coronel, Kazuya Sakai, Manuel Felguérez, Santos Balmori o Myra Landau entran en contrapunto con creadores de muy distintas nacionalidades como Darío Pérez-Flores, Yoshiyuki Miura, Wolfram Ullrich, Vincent Leroy, Héctor Ramírez o Matti Kujasalo. Mención aparte requiere el comentario curadorial donde se compara una pintura de puntos de Damien Hirst y la Geometría Espacial 305, 1966, de Antonio Asis.

La obsoleta noción de lo internacional ha sido sustituida por una incesante circulación global, proceso de recombinación cultural que igual genera productos huecos y artificiales, que decantadas vetas de conocimiento post-nacional. Añejos movimientos como el Op-Art, el Cinetismo o la Geometría, son parte de este bagaje donde las aportaciones de una antigua cultura local se diseminan para renovarse más allá de cercos geopolíticos fundacionales.

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Columna publicada el Sábado 23 de Mayo del 2015. Link al sitio original en el diario La Crónica de Hoy:

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¿Se produjo Pop Art en México?. 18 de Mayo, 2015.

Reportaje ⇒ El artista plástico Rolando de la Rosa y dos jóvenes curadores, Josefa Ortega y Esteban King, analizan como esta corriente artística se vivió en el país y señalan que es difícil hablar de artistas puros o Arte Pop en México; sin embargo, establecen su influencia en los creadores nacionales.

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¿Se produjo Pop Art en México?.

[EDUARDO EGEA]

Un recurrente fenómeno del arte actual es la revisión de los movimientos artísticos históricos del siglo XX y, en particular, aquellos surgidos entre las décadas de los cincuenta a los setenta. El Pop Art, movimiento de origen británico y norteamericano, es revisado actualmente desde el 11 de abril y hasta agosto 29 en la exposición International Pop, en el Walker Art Center de Minneapolis, la cual se amplía globalmente a movimientos paralelos como el Nuevo Realismo francés, el Concretismo y Neo-concretismo brasileño, el Arte de las Cosas de Argentina, el Anti-arte del Japón o el Realismo Capitalista alemán.

Pero, ¿cómo ha sido el desarrollo del Arte Pop en México? En exclusiva para Crónica, hablamos con el artista Rolando de la Rosa y dos jóvenes curadores que han realizado exposiciones de arte contemporáneo vinculadas, en mayor o menor, medida a las herencias del Pop Art y quienes coincidieron que es sumamente difícil hablar de artistas o Arte Pop en México. Ellos son Josefa Ortega curadora de las exposiciones ¿Neomexicanismos?: Ficciones Identitarias en el México de los Ochenta (2011), en el Museo de Arte Moderno y El Vértigo de la Abundancia (2013), en la Casa del Lago; y Esteban King, quien co-curó junto con Daniel Garza Usabiaga para el Museo Universitario del Chopo dos exhibiciones: Sonorama. Arte y Tecnología del Hi Fi al MP3 (2013) y Sexo, Drogas, Rock & Roll. Arte y Cultura de Masas en México 1963-1971.

PIONERO. Detalle de una de las primeras obras de arte contemporáneo hechas (en México) con neón por Diego Matthai en 1968. Foto Eduardo Egea.

PIONERO. Detalle de una de las primeras obras de arte contemporáneo hechas (en México) con neón por Diego Matthai en 1968. Foto Eduardo Egea.

EL POP HISTÓRICO EN MÉXICO. Aun cuando nunca ha habido en nuestro país artistas plenamente vinculados al arte pop norteamericano de los años sesenta —e incluso actualmente hay artistas como Carlos Amorales, Pol Bassegoda o Pablo Cotama que abrevan de su herencia— hace medio siglo surgieron buena variedad de artistas con múltiples afinidades con este movimiento, como los revisados en la exposición Desafío a la estabilidad. Procesos artísticos en México 1952-1967 del MUAC, donde además de la gráfica de Pedro Friedeberg y los cómics filosóficos de Alejandro Jodorowsky, otros dos ejemplos destacados fueron Love, (1968) de Diego Matthai —probablemente de las primeras esculturas con neón hechas en México—, además de diversas obras y el manifiesto original (1966) del Dom Art o Arte Doméstico de Juan José Gurrola, manifestación artística que anhelaba la literal restauración de la unión entre arte y vida cotidiana.

A pesar de que entonces no hubo Pop Art en México, durante los sesenta se dieron grandes cambios en el entorno social, cultural y político de la época. La estrategia curatorial de la mencionada exposición Sexo, Drogas, Rock & Roll abordó cómo el entorno global después de la Segunda Guerra Mundial fue marcado por la Guerra Fría y propició en México un mayor crecimiento económico e influencia de la cultura y patrones de consumo en los Estados Unidos; ello incentivado por el panamericanismo de la burguesía mexicana durante el régimen de Miguel Alemán, contexto que trajo a la ciudad de México crecimiento urbano, el choque entre generaciones y la emancipación juvenil entre 1963 y 1971.

Entre los muchos artistas mexicanos que giraron en torno al Arte Pop durante los sesenta y setenta se cuentan a Alberto Gironella, Arnaldo Cohen o Zalathiel Vargas, quien es probablemente el primer representante del cómic underground en México. Esteban King observa que además de cierta cercanía con el movimiento de las Color Field Paintings norteamericanas, “Hay otros elementos del arte de aquellos años, como el arte cinético o el arte op, por ejemplo, lo que hacía Luis Urías con sus proyecciones abstractas o Ernesto Mallard, además de los rasgos psicodélicos cultivados por Arístides Cohen o Carlos Nakatani. Pero no encuentro tanto el elemento Pop”. Sin embargo, reconoce que “Pues sí, resulta que hay una cultura visual de la época ligada a lo que se conoce como el arte pop ya que hay cierta sensibilidad y vínculo con la publicidad, la industria, los colores de época, con el Technicolor, etcétera”.

¿INDIGENISMO VS CONSUMO? Entre los contrastantes tópicos que conforman los procesos históricos del arte en México y que sirven para entender por qué el Pop Art no floreció en nuestro país, se encuentran la tensión entre arte internacional y cultura popular mexicana, o como ha sucedido recientemente la negociación no resuelta entre tradiciones regionales, cultura popular urbana y los estándares de uniformidad global. Al respecto, Josefa Ortega sostiene que el “Arte Pop podríamos pensarlo más vinculado a un consumo masivo en la era del capitalismo, el cual es justo lo que va en contra de una producción artesanal indígena”. Es precisamente sobre el contraste entre sistemas de producción que Esteban King añade: “De alguna manera cuando el Pop se traduce al español tiene un significado distinto que es muy evidente por el asunto de lo popular aquí y por el arte pop en Estados Unidos, y toda esta gran cultura de masas industrial, esta estética de lo camp o la propia producción de Andy Warhol, son fenómenos relacionados con un sistema de producción y un tipo de cultura y sociedad muy distinta a la mexicana”.

Estas oposiciones han generado tempranas respuestas artísticas, desde Rufino Tamayo y su búsqueda desde los años cuarenta de una pintura “universal” o la Escuela Oaxaqueña de Pintura, con Francisco Toledo, Rodolfo Morales, Sergio Hernández…, quienes adaptaron el imaginario indígena y las tradiciones populares locales al bagaje moderno del grupo COBRA y el Art Brut de Jean Dubuffet.

Esto creó un efecto contrario en los años ochenta, como el Neomexicanismo, movimiento artístico que fue una mezcla de nostalgia y auto-reflexión

Tres obras de Juan José Gurrola, Señora con Pan, Familia Sandwich y Familia Kool-Aid, todas de 1966, exhibidas en la muestra Desafio a la Estabilidad, (MUAC).

Tres obras de Juan José Gurrola, Señora con Pan, Familia Sandwich y Familia Kool-Aid, todas de 1966, exhibidas en la muestra Desafio a la Estabilidad, (MUAC). Foto Eduardo Egea.

que sondeó tópicos como la identidad nacional y la reapropiación patria, el guadalupanismo y la influencia de Frida Kahlo, el cuerpo y los debates de identidad de género, tal y como lo sintetiza Josefa Ortega: “En el Neomexicanismo había todas estas recuperaciones locales de lo que nos hacía diferentes frente a una situación global en que a todos nos veían del mismo modo. Creo que sigue habiendo artistas, incluso ahora, que se siguen preguntando y planteando estas ficciones identitarias desde cuestionamientos que podrían parecer muy similares a lo que planteó el Neomexicanismo, como por ejemplo Betsabeé Romero”. Inquietud muy consciente en las instituciones actuales, ya que el Museo de Arte Popular (MAP) desde el 2009 ha implementado sistemáticamente la bienal Arte/Sano ÷ Artistas, iniciativa que revalúa la noción de identidad y diferencia cultural nacional al alentar la mezcla del conocimiento ancestral del artesano mexicano y la experimentación del artista contemporáneo.

SUBVERSIÓN. Además de estas tensiones culturales, las enormes desigualdades sociales y políticas en países hispanoparlantes han generado artistas que, a partir de deliberadamente tergiversar las herencias del Pop Art norteamericano, han adoptado una posición crítica social y política utilizando la apropiación, la parodia o subversión. Como León Ferrari en Argentina, El Equipo Crónica en España o Antonio Caro en Colombia.

En México, Rolando de la Rosa levantó controversia en el Museo de Arte Moderno entre 1987 y 88 con su participación en el Salón Nacional de Artes Plásticas, sección de Espacios Alternativos, donde participó con su instalación-ambientación El realTemplo Real (1987), pieza que según Josefa OrtegaSi hubiera un manualito de lo que es el Arte Pop en la pieza El realTemplo Real, estaría sin duda todo el listado que podríamos sacar”. Por su parte, De la Rosa acepta la influencia del Pop Art y nos describe esta pieza, la cual estaba constituida por tres “altares” sin título. “En uno puse una figura negra con unas máscaras de Michoacán que simbolizaba a Tonantzin que con una intervención extranjera se transformaba en la Virgen de Guadalupe y con otra intervención extranjera se convertía en la Virgen Marilyn” —la famosa imagen de la Virgen de Guadalupe con los senos y rostro de Marilyn Monroe—.

Otro altar era un Cristo-Infante donde al rostro de Pedro Infante se superpone el de Cristo y al frente de esta imagen en el piso unas botas texanas pisaban una bandera mexicana. Rolando describe un tercer altar: “En los domingos la misa y el futbol son rituales, entonces mezclaba la cerveza con el vino de consagrar y puse al Santo Niño de Atocha como Hugo Sánchez, acompañados de unos vitrales con un cáliz formado por un balón de futbol y una caguama de cerveza Carta Blanca y una cruz de falos”.

Según De la Rosa, la intervención a la bandera mexicana es la parte que realmente le costó el puesto al director del MAM, Jorge Alberto Manrique, además de que Provida utilizó la gran censura y exposición mediática de esta obra para dar visibilidad a la derecha católica en año electoral.

Otros dos artistas que han explorado los rasgos de la psique mexicana y la emergencia de la post-identidad nacional son Guillermo Gómez Peña (1955) y Rubén Ortiz Torres (1964), quienes al mudarse a los Estados Unidos han atestiguado las tensiones en la frontera entre la cultura mexicana y la norteamericana. Gómez Peña lo ha hecho a través de performances sincréticos donde iconografía, vestuarios o símbolos de ambas culturas se fusionan y Ortiz Torres, a manera de un artista-antropólogo, registra y contrapone rasgos estéticos y culturales norteamericanos con mexicanos o globales con autóctonos.

Dick El Demasiado Club Metro Kyoto Japón August 2010

Dick Verdult o Dick El Demasiado en el 2010 durante una presentación en el Club Metro de Kyoto Japón.

NI CULTO NI POPULAR. Josefa Ortega señala que a partir del Tratado de Libre Comercio (TLC) en 1994, “es muy evidente que en la cultura visual y de producción artística hay problemáticas que provienen de esa cercanía comercial y la introducción de mercancías globales”. Esteban King menciona sobre los artistas actuales que “Trabajan con algo que ya no es ni arte pop ni arte popular, pero se relaciona con la producción visual masiva y de una industria a todos los niveles donde todos somos productores de imágenes que circulan diariamente, porque ya todos podemos producir visualmente con las tecnologías”.

Este entorno económico, político y cultural de la sociedad de consumo ha propiciado que las referencias a la cultura popular hayan sido desplazadas por la exploración de la vida cotidiana. Por ejemplo, El Museo Peatonal de María Alós y Nicolás Dumit, iniciado en el 2001, consiste en una colección de objetos donados a este “museo” por peatones o el Tres Art Collective, que en su vídeo An Informal Gaze (2009) registran cómo logran vender exótica basura mexicana callejera en un festival de arte urbano en Copenhague, Dinamarca.

Esteban King menciona a dos artistas que ejemplifican la derivación actual de la cultura popular como recurso experimental. El pintor, cineasta y Dj de múltiples nacionalidades, Dick Verdult o Dick El Demasiado, quien con sus “cumbias lunáticas” crea un lúdico ritual bailable de experimentación sonora; y Benito Salazar, artista de Azcapotzalco, quien según KingHa trabajado mucho con los sonideros y la cultura de los bailes, las fiestas y la comida popular; pero, él no hace piezas antropológicas que capitalizan lo popular para su obra, ya que su familia tiene un negocio de comida y ha trabajado con las dinámicas de barrio y los sonideros, sus pistas musicales y formas de promoción”.

Reportaje publicado el Lunes 18 de Mayo del 2015. Link al sitio original en el diario La Crónica de Hoy:

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Rubén Ortiz Torres, “The Revolution will be Televised” Estado uno 18 7/8″ x 19 1/4″ Xilografía sobre Litografía, Edición de 28, 1994. Imagen propuesta, pero no seleccionada para este reportaje. Foto el Nopal Press.

Rubén Ortiz Torres, “The Revolution will be Televised” Estado uno 18 7/8″ x 19 1/4″ Xilografía sobre Litografía, Edición de 28, 1994. Imagen propuesta, pero no seleccionada para este reportaje. Foto el Nopal Press.

La Crónica de Hoy Pop Art en México 18MAY2015. Foto Eduardo Egea.

Páginas veinte y veintiuno con la versión impresa de este reportaje publicado en La Crónica de Hoy el dieciocho de Mayo del 2015. Foto Eduardo Egea.

171 Funcionalismo en Nirvana. 16 de Mayo, 2015.

Lebenswelt. Hasta el 4 de Julio. Galería Proyecto Paralelo, Alfonso Reyes 58, Colonia Condesa. Martes a viernes 11:00 a 18:00 horas, Sábado 11:00 a 15:00 horas.

Funcionalismo en Nirvana.

Santiago Borja es un artista formado como arquitecto que explora las implicaciones perceptuales, psicológicas, históricas y antropológicas de la arquitectura – como sus intervenciones a la Villa Savoye de Le Corbusier en Poissy, París, o el Museo Freud en Londres -. En esta exposición indaga el sustrato irracional y esotérico que la arquitectura moderna tuvo a principios del siglo XX.

Borja tiene como referentes la noción de Pensamiento Mágico de Lévi-Strauss, además de la Teosofía, Antroposofía, el Comunismo Místico o el Comunitarismo Espiritual, filosofías que influyeron en la Bauhaus, la Comunidad Taliesin de Frank Lloyd Wright, La Sociedad Antroposófica o La Comunidad proto-hippie de Monte Veritá.

Un punto clave de la muestra surge cuando Borja cita al antropólogo Tom Ingold, quien considera que en la arquitectura “el espacio se genera en el recorrido”, pasando así la construcción de ser un inmueble a ser una experiencia. Durante la apertura, una ejecutante demostró la Euritmia, gimnasia arquitectónica y espiritual que pretende enlazar lo físico y lo espiritual a través de proporciones armónicas de espacio-cuerpo. La sospecha surge cuando Santiago exhibe las “partituras” visuales altamente racionalistas de la Euritmia escritas con el sistema de Labanotación o Cinetografía Laban, tensión que se torna ironía cuando se ejecuta la Euritmia enfrente o dentro de La Tallera, estudio de Siqueiros en Cuernavaca donde los rigurosamente regulados movimientos eurítmicos encajan visualmente a la perfección, pero no en el ideario político, intelectual y “espiritual” de la obra de Siqueiros.

Borja desarrolla una sutil crítica sobre la utopía racionalista de control y orden de la Modernidad Occidental, donde si bien arquitectura, arte abstracto y esoterismo tuvieron convergencia, en lo social no hemos querido tener experiencias espirituales profundas sin abandonar nuestra racional cultura materialista.

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Columna publicada el Sábado 16 de Mayo del 2015. Link al sitio original en el diario La Crónica de Hoy:

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Santiago Borja explora una de las menos difundidas y más desconcertantes raíces de la modernidad, y que es el vínculo que en sus albores tuvo la arquitectura funcionalista con diversas filosofías esotéricas. Este fascinante capítulo es explorado críticamente por Santiago con un muy sutil sentido del humor, y el cual al revelar desde discretas hasta muy claras contradicciones, evidencia rasgos culturales, antropológicos, psicológicos y sociales que han llevado a las utopías occidentales al fracaso ante su inminente y voraz “espíritu” materialista. Columna Artgenetic del sábado 16 de Mayo, 2015, disponible impresa en kioskos, Sanborns o a través del siguiente link: www.cronica.com.mx/notas/2015/898816.html

170 Coatlicues Mutantes. 9 de Mayo, 2015.

Death Never Takes a Vacation. Hasta el 9 de mayo. Galería Kurimanzutto, Gobernador Rafael Rebollar 94, San Miguel Chapultepec. Martes a jueves 11:00 a 18:00 horas, viernes y sábado 11:00 a 16:00 horas

Coatlicues mutantes.

Daniel Guzmán (DF 1964) curó en Kurimanzutto la exposición My Generation, 2009, donde reunió a José Luis Sánchez Rull, Gilberto Aceves Navarro, Germán Venegas, Julio Ruelas, Paul McCarthy, Vlady, etc., muestra que fue un repaso de sus gustos y afinidades dibujísticas, aprendizaje asimilado en la serie Chromosome Damage, y de la cual exhibió una selección de treinta obras ejecutadas en pastel, carbón y acrílico sobre papel de estraza en The Drawing Room en Londres (2014-15), misma serie de la cual ahora presenta cerca de setenta piezas.

Conceptualmente compleja, esta serie tiene como aparente eje rector una cuidadosa negociación entre el visceral imaginario prehispánico y la obra dibujística y gráfica de José Clemente Orozco, desde sus tempranas obras de putas y cantinas y hasta los grabados de la serie La Verdad. Pero la genética recombinante de la obra de Guzmán tiene ADN y raíces culturales mucho más diversas y difusas: Abarca desde Alfred Kubin, James Ensor, Posada y Goya a historietas mexicanas como A Batacazo Limpio, de Rafael Araiza, Chiss, Simón Simonazo, Hermelinda Linda o Las Andanzas de Aniceto además de dibujantes norteamericanos como Basil Wolverton, Robert Williams o Ed “Big Daddy” Roth y hasta Chucho Reyes, Hélio Montiel, el cine de ficheras, las fotonovelas porno mexicanas y deidades como la parturienta Tlazoltéotl, la Cihuacóatl o mujer serpiente, la Tlalcíhuatl o señora tierra y monstruos híbridos como Cipactli.

Esta hibridación y síntesis finalmente es el motor de toda transformación cultural, donde no existe evolución, pero sí un eterno cambio que vuelve simultáneos y uno mismo al olvido y a la memoria. Alejado del influjo de Raymond Pettibon o del espíritu post-adolescente de su muestra Yo fui un Kissmaniático, 1996, en esta exposición Daniel Guzmán se muestra más maduro y buscando un lugar en la cultura y arte mexicanos.

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Columna publicada el Sábado 9 de Mayo del 2015. Link al sitio original en el diario La Crónica de Hoy:

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Uno de los rasgos culturales latinoamericanos más acusados es el de la hibridación cultural, en un momento como el actual donde multiculturalismo, migración, internet, etc. han derrumbado fronteras geopolíticas, los diálogos interculturales se tornan sorprendentemente pertinentes. Pero, ¿Qué sucede cuando esto se extiende hacia distintas épocas y tiempos?. A propósito de la exposición de Daniel Guzmán, Death never takes a vacation en Kurimazutto. Hoy último día. Columna Artgenetic en el Diario La Crónica de Hoy, sábado 9 de Mayo, 2015, disponible impresa en kioskos, Sanborns o a través del siguiente link: www.cronica.com.mx/notas/2015/897740.html

169 Memorias del espacio-cuerpo. 2 de Mayo, 2015.

Entre el Veintiséis de Marzo y el Nueve de Mayo. En exposición hasta el 9 de mayo. Galería Proyectos Monclova, Colima 55, colonia Roma Norte. Martes a viernes 11:00 a 18:00 horas. Sábado 11:00 a 16:00 horas.

Memorias del espacio-cuerpo.

Tania Pérez Córdova (Ciudad de México, 1979) ha expuesto en dos proyectos complementarios de esta galería en el 2012, su exposición individual People, Something, People, y su participación curada por Patrick Charpenel en la sección Zona Maco Sur de esta feria de arte. En esta segunda exhibición, muestra los avances en su interpretación de la interacción entre memoria, espacio y cuerpo.

En el 2012, Tania presentó una serie de objetos que sólo adquirían significado en el espacio de la galería. Sus piezas más sugerentes fueron recortes de gruesas placas de pasta de alginato del mismo tamaño que la repisa, base o partes del cuerpo humano que tomaban como referente. El alginato pierde humedad en veinticuatro horas y se contrae y deforma, cambiando drásticamente las proporciones del objeto o cuerpo moldeado.

En esta exposición el contexto de los objetos sólo existe en nuestra mente. Por ejemplo, se presenta una pintura realista del pecho de una camisa a rayas, prenda propiedad de alguien que trabaja cerca de la galería, lugar donde se aparece ocasionalmente vistiendo la misma camisa. Tania evoca cuando se nos pierde una tarjeta de débito de la cual sabemos los números de cuenta, cantidad de dinero y clave de acceso y cuyo único vestigio físico son los números en relieve de esta tarjeta marcados a presión en el fondo de una vasija de barro expuesta en la galería.

Tania coopera en renovar las tradiciones del Ready Made, Arte Conceptual o Arte Povera, viejas herencias que para muchos integrantes del arte de nuestro país representan arte desconocido e incomprensible, al igual que para tantos mexicanos lo son muchos hechos nacionales políticos, sociales e históricos.

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Columna publicada el Sábado 2 de Mayo del 2015. Link al sitio original en el diario La Crónica de Hoy:

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168 La Pintura y su Expansión. 25 de Abril, 2015.

Colaboraciones Forzadas. Hasta agosto en el Museo Universitario del Chopo, Enrique González Martínez 10, colonia Santa María la Ribera. Martes a domingo 10:00 a 19:00 horas.

La pintura y su expansión.

Santiago Merino (1973) es uno de los artistas mexicanos que mayormente ha explorado la noción de pintura expandida, ya que en los últimos años ha ampliado el fenómeno pictórico al espacio, la arquitectura, los objetos y materiales, interviniendo directamente la obra de otros artistas e incluso haciendo referencia a recursos cinematográficos.

La materialidad de la pintura ha sido intensamente explorada por Merino, ya que cualidades pictóricas como transparencia, opacidad, liquidez, pastosidad, calidez y frialdad desdibujan su límite con los objetos, pero, ¿Cómo logra esto? Utiliza playo, material plástico transparente o de colores para embalaje. En su obra, AzVNAzAmN, 2013, envolvió parcialmente dos puertas corredizas de vidrio; otras veces incorpora óleo y resina entre capas de playo, como en VAR (IV), 2012, recreando “artificialmente” estas seis cualidades pictóricas. Su gesto más extremo fue cuando envolvió cuadros mexicanos del siglo XVII con plástico burbuja y los cubrió con pinceladas gestuales (ver http://www.santiagomerino.com). Estos son los experimentos pictóricos más radicales hechos en México desde que Yishai Jusidman pintó las series, Astrónomo (1987-90) o Pintores Trabajando, (2000-02) y escribió el icónico ensayo, Tomando Forma, Surtiendo Efecto, 2002.

El edificio hecho por Enrique Norten dentro del Chopo se impone al resto del museo. Merino al adherir al frente de la nueva construcción decenas de metros de película de espejo polarizado, refleja el interior del viejo Chopo y evoca su anterior monumentalidad espacial, logrando que las dos arquitecturas dialoguen y se reconcilien, haciéndonos desear que este espejo también se coloque en la cara posterior del diseño de Norten, e incluso sea permanente. Merino con esta evocación crítica de la tradición del monocromo pictórico consolida uno de los mejores pero menos conocidos discursos sobre pintura desarrollados actualmente en México.

http://www.artgenetic.wordpress.comSantiago Merino Post promoción Facebook 25ABR2015
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Columna publicada el Sábado 25 de Abril del 2015. Link al sitio original en el diario La Crónica de Hoy:

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Santiago Merino y uno de los más sólidos discursos sobre la pintura expandida en México. Expo Chopo reseña Artgenetic 

OPINIONES: Post promocional de esta columna en Facebook, 25 de Abril del 2015. Incluye comentarios del 25 al 26 de Abril:

UNO

UNO.

DOS.

DOS.

 

TRES.

TRES.

CUATRO.

CUATRO.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

OPINIONES: Post del curador Daniel Garza Usabiaga sobre esta columna en Facebook, 9 de Mayo del 2015. Incluye comentarios del 13 de Mayo, 2015:

UNO.

UNO.

167 Generaciones Orgánicas. 18 de Abril, 2015.

Segunda Naturaleza, hasta el 31 de mayo; y Habrán más Cosas Buenas en las más Cosas Buenas que Habrán, hasta el 24 de mayo. Ambas exposiciones en el Museo de Arte Carrillo Gil, avenida Revolución 1608, San Ángel. Martes a domingo 10:00 a 18:00 horas.

Generaciones Orgánicas.

El MACG muestra simultáneamente en dos distintas exposiciones individuales a Eduardo Terrazas, (1936), artista de quienPaula Duarte cura una retrospectiva y Adrián Regnier Chávez (1989), quien exhibe nueve vídeos seleccionados por Guillermo Santamarina, artistas mexicanos de diferentes generaciones que comparten significativas afinidades estéticas.

Terrazas es un importante exponente en México de la abstracción serial, ha explorado a través de la geometría, la generación algorítmica de sucesivas figuras a partir de una matriz, como en Crecimiento Orgánico, 1975, o su larga serie de cuadros Posibilidades de una Estructura. Dos obras de Terrazas afines a los vídeos de Regnier, son la instalación de animación geométrica, Crecimiento Exponencial, 2014, y el Códice de la Solidaridad para la Paz y el Desarrollo, 1975, donde Terrazas demuestra, a partir de estadísticas históricas de la humanidad, cómo el hombre, al confundir beneficio con bienestar, se ha alejado del núcleo de la vida misma.

Regnier realiza elaboradas animaciones donde crea metáforas post-cinematográficas del totalitarismo político o el control inherente a todo sistema, para ello emplea la incesante multiplicación de cientos de figuras geométricas o su acumulación en el espacio, reflexionando así con pesimismo ante el futuro de la humanidad, la cual obtendrá armonía y unidad, sólo gracias a la fuerza desencadenada por una explosión nuclear.

El manejo del crecimiento exponencial de elementos geométricos en Terrazas y Regnier los vincula a artistas seriales de los sesenta como Mel Bochner, Hanne Darboven o Sol LeWitt, afinidad histórica que si bien revela la densidad cultural y potencial de aportación global y unidad entre las distintas generaciones de artistas mexicanos, demuestra además cómo el arte nace de la retroalimentación entre todos los artistas.

www.artgenetic.wordpress.com
artgenetic@gmail.com

Columna publicada el Sábado 25 de Abril del 2015. Link al sitio original en el diario La Crónica de Hoy:

http://www.cronica.com.mx/notas/2015/894221.html

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Eduardo Terrazas y Adrián Regnier Chávez exponen dos exposiciones individuales totalmente independientes pero sutilmente relacionadas ya que se encuentran en el mismo piso del Carrillo Gil, a lo que se suma, que ambos artistas emplean formas geométricas que se multiplican exponencialmente y con las cuales, – cada uno a su modo – realizan comentarios filosóficos y sociales afines, siendo emocionante constatar que aun con este paralelismo cada uno emplea los recursos de su propia generación. Curadorialmente intencionales o no, contrapuntos intergeneracionales como estos terminan eventualmente transformándose en construcciones culturales sólidas, efecto que es una de las más decisivas aportaciones que puede hacer el arte ante la alienación cultural que suele dictarse desde el poder. Columna Artgenetic del 18 de Abril del 2015, disponible impresa en kiokos, Sanborns o a través del siguiente link: www.cronica.com.mx/notas/2015/894221.html

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¿Guiño cuaradorial-generacional las expos simultáneas de Eduardo Terrazas y AdriánRegnier en MACG? Reseña Artgenetic 

Instruction Paintings, de Yoko Ono, llega a la galería (espacio) Lulu. 17 de Abril, 2015.

Instruction Paintings de Yoko Ono, llega a la galería (espacio) Lulu.

THE LULENNIAL: UN GESTUARIO SUTIL.

⇒La muestra abre mañana y presenta estas piezas que se pueden llevar a cabo una y otra vez ⇒ Habrá performance cuarado por Sophie Goltz.

[EDUARDO EGEA]
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ARTE. Una pieza de las “Instruction Paintings” y que interactua directamente con el espectador. Esta obra se titula “Painting to Shake Hands (Painting for Cowards)”, la instrucción que la originó es: “Perfora un hoyo en un lienzo y saca tu mano por atras. Recibe a tus invitados en esa posición, salúdalos con tú mano y conversa con tu mano”. Otoño, 1961.

Yoko Ono no sólo fue la controversial esposa de John Lennon, sino una artista con méritos propios ampliamente reconocida en el mundo del arte, pero cuya obra visual es poco conocida por un público más amplio, cómo en México, donde su arte se ha expuesto muy poco.

El momento de su mayor difusión local sucedió en 1997 en el Museo Tamayo, donde se montó Exit, monumental instalación consistente en cien ataúdes de cuyo interior surgían árboles. Una colectiva en el mismo año fue Diálogos Insólitos, muestra efectuada en el Museo de Arte Moderno, donde la artista propuso que los visitantes podían escribir en papel un deseo íntimo o aportar un objeto personal y fijarlos con martillo y clavos a un mueble repleto de ellos.

La más reciente exposición en nuestro país que incluye obra de Ono es The Lulennial: Un Gestuario Sutil, en el espacio independiente Lulu, muestra curada por Fabiola Iza y Chris Sharp, que reúne arte hecho con gran economía material y modestia de medios por casi una treintena de artistas nacionales y extranjeros y cuyo lema es: “pequeños gestos, gran impacto”. Entre los jóvenes artistas convocados se encuentran Chantal Peñalosa, Fernanda Gomes y Martín Soto Climent, y entre los de mediana carrera está Gabriel Orozco, Francis Alÿs, Karin Sander o Marie Cool & Fabio Balducci, entre los históricos está Robert Barry, Jiří Kovanda y la propia Yoko Ono, artista de gran pertinencia para revelarnos el sentido de esta exposición.

Yoko Ono ha escrito muchas breves instrucciones que indican la ejecución de obras y acciones. Fabiola comenta al respecto: “Era importante tener sus Instruction Paintings, 1961-62, ya que el gesto se vuelve más radical si se circunscribe al género de la pintura. Ono originalmente exhibió las instrucciones junto a lienzos en los que cada instrucción se había llevado a cabo, pero posteriormente decidió prescindir de los lienzos y exhibir solamente las instrucciones, quería que la obra no existiera más que como un texto”.

Estas instrucciones publicadas en el libro Grapefruit de 1964 implicaban desde perforar el lienzo para ver el cielo hasta pegar diversas fotografías u objetos de múltiples personas con el nombre en común de “Mary” o quemar con un cigarro la imagen de una pintura hasta desaparecerla, tempranas acciones creadas a principios de los sesentas con las cuales artistas como Ono, Yves Klein, Piero Manzoni, entre otros, iniciaron la enorme diversidad material y multidisciplinaria del arte contemporáneo actual.

Sobre esta influencia fundacional, Iza señala, “Me parece muy importante que la obra no se sienta como una pieza histórica, es decir, continua siendo muy actual y creo que es debido a la fuerte influencia que sigue teniendo en artistas de generaciones más recientes el espíritu de Fluxus – agrupación a la cual Ono estuvo asociada en una etapa temprana de su carrera -. De esta forma crea un diálogo intergeneracional y vuelve a poner sobre la mesa temas como la inmaterialidad de la obra. Al estar en la tercera parte de la exposición junto a artistas como Robert Barry, se enfatiza la concepción de la obra como algo que puede existir solamente en la mente tanto del artista como de los visitantes a la exposición”.

La Crónica de Hoy Lulennial (Yoko Ono) Lulu. 17ABR2015.

Página veintiuno con la versión impresa de esta nota publicada en La Crónica de Hoy el diecisiete de Abril del 2015.

Esta exhibición está completada por un programa de performance curado por Sophie Goltz, un archivo en línea con obra de artistas históricos y un catálogo de 144 páginas con ensayos e imágenes publicado y distribuido por la editorial italiana Mousse. Debido al diminuto espacio de exposición de Lulu – nueve metros cuadrados – esta exposición se ha dividido desde su inauguración el 7 de febrero en tres partes, la última se inaugura este sábado 18 de abril de 12:00 a 18:00 horas en Lulu, Bajío 231 esquina con Manzanillo, Colonia Roma. Más informes en http://
luludf.tumblr.com/

Nota publicada el Viernes 17 de Abril del 2015. Link al sitio original en el diario La Crónica de Hoy:

http://www.cronica.com.mx/notas/2015/894095.html

DESTACADO: Cómo fue promocionada esta nota el 17 de Abril del 2015 en Facebook:

Mañana abre la tercera y última parte de la exposición, The Lulennial: A Slight Gestuary, (The Lulennial: Un gestuario Sútil). Resulta que mi jefe en La Crónica es fan del rock de los sesentas y setentas, gusto en el que se incluye a Los Beatles, y debido a ello me encargó un texto sobre esta expo poniendo énfasis en la presencia de Yoko Ono; afortunada circunstancia, ya que las tempranísimas Instruction Paintings 1961-62 de esta artista son ejemplos idóneos para hablar del espíritu de esta que es una de las mejores exposiciones del año en la Ciudad de México. Nota disponible impresa en kioskos, Sanborns o a través del siguiente link: www.cronica.com.mx/notas/2015/894221.html