193 Acciones y Consecuencias. 17 de Octubre, 2015.

Lorena Wolffer / Expuestas: Registros Públicos. Hasta el 18 de Octubre. Museo de Arte Moderno, Paseo de la Reforma y Gandhi s/n, Bosque de Chapultepec. Martes a domingo de 10:15 a 17:30 horas.

Acciones y consecuencias.

Lorena Wolffer es una artista conocida por campañas contra-publicitarias como Soy Totalmente de Hierro (2000) o performances donde estresa su propio cuerpo. Entre el 2007 y 2013 abordó la violencia hacia la mujer en México en 13 proyectos con los que realizó encuestas, performances, muros para opiniones, carteles, conversatorios, intervenciones objetuales públicas, un memorial y recibió en donación objetos de víctimas describiendo la violenta historia detrás de ellos, acciones con las que buscó reconfortar a múltiples mujeres y dar visibilidad a sus casos.

Curada por Octavio Avendaño, esta exposición tuvo un giro inesperado cuando Lorena enfrentó a Tania Puente, ex-trabajadora del MAM, quien responsabilizó públicamente a Wolffer de evadirla cuando intentó comunicarle que fue acosada sexualmente por un trabajador del MAM; en múltiples notas periodísticas, Puente declaró que su caso fue desestimado por las autoridades del MAM.

Esta situación generó distintas reflexiones: Aline Hernández en gastv.mx lamentó el asistencialismo y falta de congruencia entre teoría y práctica tanto de Wolffer como de la acción política actual. Irmgard Emmelhainz en su blog analizó la despolitización del arte institucionalizado en una sociedad heteropatriarcal y neoliberal. Los comentarios del público a una nota en Proceso del 14 de Julio, reflejaron desde misoginia hasta posiciones críticas (Estas opiniones y otros artículos son recopilados en el blog de Artgenetic).

Esta exposición se está convirtiendo en el paradigma del arte contemporáneo de nuestro país que refleja a través de las siguientes preguntas los límites que tiene la acción social del arte. ¿Con quién están más comprometidos los artistas, con el desarrollo de su discurso y carrera o con los conflictos sociales que convocan? ¿El arte contemporáneo puede ser política y socialmente relevante a pesar de su institucionalización y mercado?

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Twitter: @artgenetic

Columna publicada el Sábado 17 de Octubre del 2015. Link al sitio original en el diario La Crónica de Hoy:

http://www.cronica.com.mx/notas/2015/925838.html

DESTACADO: Cómo fue promocionada esta columna el Sábado 17 de Octubre del 2015 en Twitter:

¿Cual es el límite entre autopromoción, desarrollo artístico y compromiso social?. Reseña expo Lorena Wolffer MAM: 

DESTACADO: Cómo fue promocionada esta columna el 17 de Octubre del 2015 en Facebook:

Captura de pantalla del comentario y reacciones que acompañaron a la difusión de esta columna en Facebook.

Captura de pantalla del comentario y reacciones que acompañaron a la difusión de esta columna en Facebook.

IMÁGENES Y TEXTOS: Los cuales ilustraron a esta columna para su difusión en Facebook el 17 de Octubre del 2015:

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Comentario de Gerardo Islas sobre esta columna al momento de compartirla el 19 de Octubre del 2015.

Comentario de Gerardo Islas sobre esta columna al momento de compartirla el 19 de Octubre del 2015.

ARCHIVO DE CAPTURAS DE PANTALLA DE ENSAYOS, ARTÍCULOS Y OPINIONES DE LECTORES PUBLICADOS ENTORNO AL VÍNCULO ENTRE LA EXPOSICIÓN LORENA WOLFFER / EXPUESTAS: REGISTROS PÚBLICOS Y EL CASO TANIA PUENTE.

Carta de Tania Puente a Lorena Wolffer publicada el 11 de Julio, 2015 en la revista digital Trama. (Se incluyen las opiniones de los lectores del 12 de Julio al 28 de Septiembre del 2015). Link:
http://www.trama-mag.mx/carta-a-lorena-wolffer

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Respuesta de Lorena Wolffer a Tania Puente (Se incluyen las opiniones de los lectores del 15 al 27 de Julio), Julio 15, 2015, Revista digital Trama:
http://www.trama-mag.mx/carta-a-tania-puente

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Ensayo de Irmgard Emmelhainz La Violencia de Género en la Era de las Industrias Culturales y la Incoherencia de la Politización, publicado el 27 de Julio del 2015 en el blog del Comité Invisible Jaltenco, link: http://comiteinvisiblejaltenco.blogspot.mx/2015/07/la-violencia-de-genero-en-la-era-de-las.html

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Ensayo de Aline Hernández, De Incongruencias y otras Inconformidades. Lorena Wolffer en el MAM, publicado en Julio del 2015 en gastv.mx. Link: http://gastv.mx/opinion-incongruencias-otras-incomodidades-lorena-wolffer-mam/

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Nota de Alejandro Saldívar, Denuncian acoso sexual en el Museo de Arte Moderno, revista Proceso, 14 de Julio del 2015, Nacional (Se incluyen 44 comentarios de los lectores y sus respectivas conversaciones del 14 al 15 de Julio del 2015). Link: http://www.proceso.com.mx/?p=410537

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Proceso Alejandro Saldivar, Denuncian Acoso Sexual en el MAM 14JUL2015 (6)

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VEINTIDOS.

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Ensayo de Alejandra Franco y Alejandro Gómez Escorcia, Lorena Wolffer en el MAM, publicado en Julio del 2015 en gastv.mx. Link:
http://gastv.mx/opinion-el-museo-como-evidencia-lorena-wolffer-en-el-mam/

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Ensayo de Dulce Colín, Lo personal es político: Lorena Wolffer en el MAM, publicado en Horizontal, Culturas, el 28 de Septiembre del 2015 (Se incluye un comentario de Mirna Calzada del 2 de Octubre del 2015. Link: http://horizontal.mx/lo-personal-es-politico-lorena-wolffer-en-el-mam/

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Nota y comentario de Mariana Vega, La violencia en el doble discurso institucional, publicado el 15 julio del 2015. (Se incluye la postura de Mónica Mayer y veintiséis firmantes que la respaldan). Link:
http://melimelo.com.mx/la-violencia-en-el-doble-discurso-institucional/

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Columna de Lucía Raphael, “Geografía de un linchamiento: hablar de la violencia contra las mujeres, ‘Expuestas’ hasta el aniquilamiento”, publicado el 14 de Septiembre del 2015 en El Sol de México, San Juan del Río. Link: http://elsoldesanjuandelrio.com.mx/elsoldemexico/notas/n3915258.htm

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Post de La Manufacturera en Facebook donde comentan el caso Wolffer – Puente, 15 de Julio del 2015. Link: https://www.facebook.com/lamanufacturera/posts/984434931578494

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192 Purgatorio de Signos. 10 de Octubre, 2015.

Arquitectura del Purgatorio. Hasta finales de octubre. Fundación Sebastián. Avenida Patriotismo 304, colonia San Pedro de los Pinos, DF. Lunes a viernes 10:30 a 18:00 horas, sábados 10:30 a 14:00 horas.

Purgatorio de Signos.

Manuel Marín (Ciudad de México 1951) es un ingeniero, profesor, teórico del arte, escultor, pintor y dibujante quien interpreta la idea del purgatorio de Dante Alighieri para rendir homenaje a este poeta en el 750 aniversario de su natalicio. De 250 piezas, Marín seleccionó 100 de tres distintos tipos: Dibujos sobre papel y “dibujos esculturales” tanto en papel como en placas de metal.

A partir de referencias literarias, culturales, artísticas históricas o mitológicas, Marín ha reflexionado sobre las implicaciones psicológicas, filosóficas, estéticas y formales del arte y la pintura. Un importante ejemplo es su ensayo, Espacio y Cosas. Uso y Representación del Espacio en la Pintura, 1994, ENAP, UNAM, donde Marín une el “desvincular, obscurecer o eliminar la referencia en lo pintado” con un minucioso análisis del problema entre lo real y lo representado en la pintura (la cosa concreta) a través de conceptos como espacio en uso y espacio representado (formato), el tiempo (escena) y la sucesión o secuenciamiento de imágenes materiales, consecuentes y colegidas que generan a la obra pictórica, entorno donde la comunicación y significado de las imágenes entran en tensión.

Este complejo desmontaje del espacio y la representación pictórica, sirve a Marín en esta exposición para colapsar a la segunda y tercera dimensiones a partir de dibujar en ambas caras del papel o metal arquitecturas imposibles con las cuales se genera una imagen idealizada del purgatorio, mítico lugar donde espacio y tiempo se fusionan.

Con una constante pero discreta carrera desde 1974, Manuel Marín nos podría parecer un artista aislado, sin embargo pertenece a un sólida, – pero todavía sin revelar – generación de artistas mexicanos (Ver Artgenetic 30MAY2015) quienes han situado en diálogo y tensión a las herencias de la tradición pictórica más rancias respecto al arte contemporáneo actual.

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Columna publicada el Sábado 10 de Octubre del 2015. Link al sitio original en el diario La Crónica de Hoy:

http://www.cronica.com.mx/notas/2015/924705.html

DESTACADO: Cómo fue promocionada esta columna el Martes 13 de Octubre del 2015 en Twitter:

Manuel Marín, pintor que desafía a Duchamp al combinar con éxito reflexión teórica y ejecución. Expo Fund. Sebastián

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Captura de pantalla del comentario y reacciones que acompañaron a la difusión de esta columna en Facebook.

Captura de pantalla del comentario y reacciones que acompañaron a la difusión de esta columna en Facebook.

IMÁGENES Y TEXTOS: Los cuales ilustraron a esta columna para su difusión en Facebook el 10 de Octubre del 2015:

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OPINIONES: Vertidas el 1o de Octubre del 2015 durante la promoción en Facebook de esta columna:

Comentario de Antonia Verde sobre esta columna el 10 de Octubre del 2015

Comentario de Antonia Verde sobre esta columna el 10 de Octubre del 2015.

191 Arquitectura y Post-arte. 3 de Octubre, 2015.

Vol. 1 Lineamientos (Incomunicados). Limas 15, Tlacoquemecatl del Valle, Benito Juárez. Informes en la página de Facebook de LOCUS.

Arquitectura y Post-arte.

LOCUS es, de acuerdo a su página de Facebook, “un laboratorio de producción artística experimental de sitio específico desarrollado en inmuebles destinados a ser demolidos”. Pensadas para ejecutarse en distintos inmuebles a lo largo de dos años, esta es la primer intervención a una casa curada por Violeta Burckhardt y Xavier de la Riva.

El proyecto Especulación Inmobiliaria, organizado por De la Riva, David Miranda y Francisco Márquez, antecede a LOCUS, en éste diez artistas intervinieron en septiembre del 2013 una casa ubicada en Nicolás San Juan 349 en la Colonia del Valle Norte. Para LOCUS, tres equipos de arquitectos dieron instrucciones escritas a los curadores para que con trabajadores implementaran las intervenciones en otra casa, buscando con ello demostrar la gran distancia que existe entre la planeación en papel y la materialización de una obra, dilema común en la arquitectura.

Gabriel González, Robert Hutchinson y Corey Matheis propusieron conectar con líneas dibujadas la clasificación de las formas de los “fantasmas” dejados por objetos y cuadros ausentes sobre las paredes. Mauricio Rocha modeló con hilo de nylon un gran cubo que atravesaba las dos plantas del inmueble, figura que solo podía ser vista parcialmente a través de sus vértices y aristas. Francisco Pardo y Marie de Testa propusieron que en la demolición en curso permanecieran elementos no estructurales como la escalera, cancelería, herrería, carpintería, mobiliarios de cocina y baño, tuberías y red eléctrica.

A partir del actual derrumbe del límite entre arte y arquitectura, proyectos de este tipo sugieren que museos y galerías pronto podrían exhibir adaptaciones de las herramientas históricas del arte contemporáneo hechas por abogados, chefs, periodistas, campesinos, biólogos, etc.; este cambio de paradigma donde una parte del arte esté hecho sin artistas, es uno de los más importantes potenciales para renovar el arte durante el siglo XXI.

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Columna publicada el Sábado 3 de Octubre del 2015. Link al sitio original en el diario La Crónica de Hoy:

http://www.cronica.com.mx/notas/2015/923517.html

DESTACADO: Cómo fue promocionada esta columna el Sábado 3 de Octubre del 2015 en Twitter:

¿Arte sin Artistas?¿Cualquiera podrá en el Siglo XXI hacer arte al simplemente asimilar el del Siglo XX? ReseñaLOCUS 

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Segunda parte de la captura de pantalla del comentario que acompañó a la promoción de esta columna.

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IMÁGENES Y TEXTOS: Los cuales ilustraron a esta columna para su difusión en Facebook el 3 de Octubre del 2015:

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190 Dobles e Hiperrepresentación. 26 de Septiembre, 2015.

¿Por qué no fui tu amigo?. Hasta Octubre 24. Galería Kurimanzutto, Gobernador Rafael Rebollar 94, San Miguel Chapultepec. Martes a jueves de 11:00 a 18:00 horas, viernes y sábado de 11:00 a 16:00 horas.

Dobles e Hiperrepresentación.

Daniel Aguilar Ruvalcaba (Guanajuato 1988) es el primer artista de la serie de seis exposiciones que curará Chris Sharp para Kurimanzutto, galería que se abre así hacia artistas emergentes locales.

A partir de recibir la beca BBVA-Bancomer/MACG, Daniel buscó sublimar el trauma infantil donde su endeudado padre perdió sus propiedades, para ello buscó pagar la deuda con BBVA-Bancomer de un homónimo de su padre, Juan Manuel Aguilar. Al no permitir el banco pagar con la beca, ideó esto: El hombre que encontró tenía una deuda mayor y una menor; para la mayor, fotografió distintos billetes de 100 y 200 pesos que retiraba y volvía a depositar y que sumados equivalían a esta deuda, después imprimió estas imágenes en papel reciclado con libros de Nezahualcóyotl y Sor Juana Inés de la Cruz, poetas que aparecen en estos billetes y convenció a un heredero de Bancomer en adquirir para su propia colección de arte estos cientos de billetes “falsos”, y con esta ganancia pagar la deuda.

Daniel realiza en esta exposición una compleja y contradictoria trama de asociaciones que borran los límites entre arte y vida, entre experiencias personales y autoría, entre filantropía y arte como instrumentos de cambio social, así como sobre el papel de la especulación en el mercado del arte, como cuando Daniel busca pagar la deuda menor de Juan Manuel al subastar en internet como ambiguos arte ready made o mero equipo funcional las computadoras y cámaras con las que se realiza un video de esta odisea. Esta “estetización” de la vida (Groys) que implica “duplicar” billetes, imágenes, funciones de objetos e instituciones y relaciones de personas, evidencian a las convenciones sociales y culturales como una hiperrepresentación que en la actual era de la información y la virtualidad nos revela a la realidad como un artificio incontrolable en el cual estamos irremediablemente atrapados.

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Columna publicada el Sábado 26 de Septiembre del 2015. Link al sitio original en el diario La Crónica de Hoy:

http://www.cronica.com.mx/notas/2015/922306.html

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Captura de pantalla del comentario que acompañó a la promoción de esta columna.

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Segunda parte de la captura de pantalla que acompañó a la promoción de esta columna.

Segunda parte de la captura de pantalla que acompañó a la promoción de esta columna.

IMÁGENES Y TEXTOS: Los cuales ilustraron a esta columna para su difusión en Facebook el 26 y 27 de Septiembre del 2015:

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OPINIONES: Vertidas el 19 y 20 de Septiembre del 2015 durante la promoción en Facebook de esta columna:

Comentario de Laura Meza Orozco sobre esta columna el 26 de Septiembre, 2015.

Comentario de Laura Meza Orozco sobre esta columna el 26 de Septiembre, 2015.

189 Muralismo Global. 19 de Septiembre, 2015.

Bite Your Tongue. Hasta el 7 de Febrero, 2016. Museo Tamayo, Paseo de la Reforma 51, Bosque de Chapultepec. Martes a domingo 10:00 a 18:00 horas.

Muralismo global.

Leon Golub (1922-2004) fue un pintor norteamericano admirador del Muralismo Mexicano quien es expuesto por primera vez en nuestro país en una retrospectiva curada por Emma Enderby, consistente en 50 dibujos y pinturas de gran formato e incluso mural producidas entre 1950 y 2004, exhibición producida y exhibida en la Serpentine Gallery de Londres y coordinada junto a la Galería Suiza Hauser & Wirth y The Nancy Spero and Leon Golub Foundation for the Arts.

En esta versión que muestra el Museo Tamayo, Golub se nos revela como un artista de escasos y sobrios recursos, el hieratismo de sus figuras dispuestas sobre fondos planos o abstractos les otorga un espíritu atemporal y “universal”. En los inicios de Golub puede encontrarse la marcada influencia del Muralismo Mexicano, – en particular de José Clemente Orozco -, y a lo largo de su carrera sutiles o evidentes adaptaciones de la gestualidad matérica del Expresionismo Abstracto o paralelismos respecto al pathos del Expresionismo y Neo-expresionismo alemanes además de lejanos ecos del Pop Art o la Transvanguardia Italiana; todo ello en medio de figuras que remiten a la brutalidad policiaca y militar, las protestas y represión social, la guerrilla salvadoreña, Vietnam, soldados mercenarios, animales, esfinges u otras referencias mitológicas.

Además del vínculo con el Muralismo, la notable pertinencia de esta exposición en México, radica en que resulta una lección para cualquier pintor local sobre el compromiso social y político del gesto pictórico, ello en un momento en el que la pintura ha perdido relevancia estética y social, pero es sujeta a gran especulación financiera en medio del auge global del mercado del arte; – en donde incluso, el propio Estate o legado de Golub es representado por la poderosa galería Hauser & Wirth -, y de lo cual se desprende ¿Hasta qué punto la condición objetual y comercial de la pintura ha condicionado su descrédito o relevancia cultural?.

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Columna publicada el Sábado 19 de Septiembre del 2015. Link al sitio original en el diario La Crónica de Hoy:

http://www.cronica.com.mx/notas/2015/921080.html

DESTACADO: Cómo fue promocionada esta columna el Sábado 19 de Septiembre del 2015 en Twitter:

Leon Golub demuestra que más que interdisciplina lo que la pintura necesita es expandir su riqueza expresiva Reseña:

DESTACADO: Cómo fue promocionada esta columna el 12 de Septiembre del 2015 en Facebook:

Captura de pantalla del comentario que acompañó a la promoción de esta columna en Facebook.

Captura de pantalla del comentario que acompañó a la promoción de esta columna en Facebook.

Captura de pantalla de los likes resultantes del comentario que acompañó a la promoción de esta columna.

Segunda parte de la captura de pantalla del comentario que acompañó a la promoción de esta columna.

IMÁGENES Y TEXTOS: Los cuales ilustraron a esta columna para su difusión en Facebook el 19 de Septiembre del 2015:

Leon Golub Bite Your Tongue Museo Tamayo Imágenes y Textos Facebook (1) 19SEP2015

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OPINIONES: Vertidas el 19 y 20 de Septiembre del 2015 durante la promoción en Facebook de esta columna:

Diversos comentarios sobre esta columna 19 y 20 de Septiembre, 2015.

Diversos comentarios sobre esta columna 19 y 20 de Septiembre, 2015.

El Arte Contemporáneo está Muerto o tiene una Etapa de Transformación. 14 de Septiembre, 2015.

Reportaje ⇒ Los curadores Julieta González y Cuauhtémoc Medina hablan sobre el arte contemporáneo. Ella señala que no ve una ruptura radical como en los años sesenta y setenta… y ya sería el momento. Mientras que Medina explica que el consenso del mundo del arte contemporáneo parece vivir una cierta detención histórica.

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El arte contemporáneo está muerto o tiene una etapa de transformación.

[EDUARDO EGEA]
AFECTIVIDAD. Fotograma del vídeo Estela (1947-2011), obra que quedó inconclusa debido a la muerte de Estela, anciana sexo servidora enferma quien fue cuidada un tiempo por la artista Ana Gallardo. Foto Cortesía Fundación Jumex Arte Contemporáneo.

AFECTIVIDAD. Fotograma del vídeo Estela (1947-2011), obra que quedó inconclusa debido a la muerte de Estela, anciana sexo servidora enferma quien fue cuidada un tiempo por la artista Ana Gallardo. Foto Cortesía Fundación Jumex Arte Contemporáneo.

Han transcurrido ya 15 años desde que inició el siglo XXI, momento en que el arte contemporáneo ha comenzado a dar algunas señales claras de cambio ya que comienza a diferenciarse y tomar cierta distancia respecto al arte del siglo XX. Pero, ¿cómo identificar algunas de estas diferencias o continuidades?.

En exclusiva para Crónica, conversamos con los curadores en jefe de dos de los museos de arte contemporáneo más importantes de México y Latinoamérica: Cuauhtémoc Medina, del Museo Universitario de Arte Contemporáneo, MUAC, de la UNAM; y Julieta González, especialista recientemente designada al Museo Jumex, institución bajo resguardo de la Fundación Jumex Arte Contemporáneo.

SU “MUERTE”. Al platicar con los especialistas podemos encontrar posturas ambivalentes sobre la situación actual del arte que reflejan simultáneamente contundentes afirmaciones y dudas críticas.

Julieta González aun cuando afirma “no creo en la muerte del arte, si no estaría haciendo otra cosa. Yo no siento una ruptura radical como en los años sesentas y setentas, la cual se ha dado cada cuarenta años, y ya sería el momento”. Según ella, esto sucedió en los sesentas con la desmaterialización del arte o el arte como sistema y en la desterritorialización de estos procesos durante los setentas.

La curadora Julieta González. Foto archivo

La curadora Julieta González. Foto archivo

Afirma además que quizá los ochenta fue lo último con la aparición de la apropiación y el inicio del revisionismo historiográfico, y el cual continúa, salvo que ahora se está dando un giro con toda esta cultura de lo digital, donde lo real siempre está mediado por una interfase. “Este antecedente a veces se hace sin conocimiento de lo que ocurrió en esas décadas previas en el video, el uso de la televisión y el hecho como medio comunicativo”.

Para Cuauhtémoc Medina “el consenso del mundo del arte contemporáneo parece vivir una cierta detención histórica, en contra de la histeria de quien está preocupado por la idea de que estamos haciendo alguna novedad, lo que hay es una muy importante concentración en repensar lo que fue el modernismo”. Anclaje histórico que de acuerdo a Medina no acaba de ser abandonado y que coincide, a finales de los ochenta y principios de los noventa, con un muy activo momento de recuperación histórica, particularmente del linaje conceptual, el de la vanguardia y las genealogías históricas del sur.

Al preguntarle a Medina sobre la muerte del arte contemporáneo a manera de “un fin que no acaba de llegar”, cita a Boris Groys, quien ilustra esta idea como si fuera un loop de video —breve filmación donde una acción se repite incesantemente—. En particular Medina refiere a Groys, quien menciona el dibujo animado en loop de Francis Alÿs, Canción para Lupita, 1998, y donde una mujer vacía interminablemente agua de un vaso a otro, siendo para Medina esta imagen apta para un momento histórico lleno de múltiples situaciones (inclusive muchísimos muertos), pero sin desarrollo y bajo crecimiento y sólo cambios radicales en la geografía global. Para este curador, la noción del “fin que no acaba de llegar” está inspirada en las primeras palabras de la obra de Samuel Beckett, Final de Partida: “Terminó, se terminó, va a terminar, quizá esté por terminar”, figura atractiva para definir desde los sesentas la temporalidad artística.

HACER SIN HACER. Boceto de Francis Alÿs de Canción para Lupita, 1998, dibujo animado que se convertiría en un loop de una mujer vaciando incesantemente agua de un vaso a otro. Foto Galería David Zwirner.

HACER SIN HACER. Boceto de Francis Alÿs de Canción para Lupita, 1998, dibujo animado que se convertiría en un loop de una mujer vaciando incesantemente agua de un vaso a otro. Foto Galería David Zwirner.

Cuauhtémoc Medina señala “tenemos una cruda con el final del proyecto marxista moderno, donde la noción de historia tuvo una múltiple crisis”, y se pregunta “¿cómo representar a la cultura sin estas hipótesis de evolución contra el tiempo que acomodaba al arte en una línea cronológica?”.

Para otros, agrega, la muerte del arte contemporáneo es un proyecto moralista donde acabar con el campo artístico genera alguna posibilidad política. “Los que conocemos cómo se entendía la historia en los siglos XVIII al XX, sabemos que nuestra experiencia de la historia está detenida, ya que no hay procesos o direccionalidad en el paso del tiempo, tendencias que se amplíen, proyectos emancipatorios o determinaciones (cómo al entender la tecnología como liberación); o proyectos políticos que avancen, los cuales sólo administran el desorden para sostener el presente”.

ACTO CREATIVO. Julieta González evoca el fantasma del acto creativo, “creo que desde el Constructivismo ruso se hablaba claramente de lo que es la invención, la cual retoman los artistas brasileños concretos y neoconcretos, como Hélio Oiticica quien habla constantemente de ella”. Hoy en día, añade, ya nadie habla de invención, más que nada se revisa. “Ese espíritu de invención creo que se ha perdido en el arte”.

Aunque González no observa una genuina ruptura en artistas como Hito Steyerl ó The Otolith Group, sí encuentra que el giro historiográfico revisionista de los años ochenta ha dado lugar a un desplazamiento en artistas importantes como ellos ; según ella ambos casos “han hecho arte y escrito sobre la nueva condición de experiencia de lo real a partir de lo digital, Steyerl además habla de la ‘imagen pobre digital’ o la migración de los formatos de una zona a otra, como un video que sólo puedes ver en la zona 4 o 5 y no en la 1 o 2”.

Otro síntoma esperanzador para González es la búsqueda por fortalecer la función social del arte, como Jeremy Deller y su acercamiento a la clase obrera o la argentina Ana Gallardo, quien ha trabajado con personas de la tercera edad y donde ambos artistas establecen “una relación extremadamente afectiva con el público y lo popular”. González señala que las prácticas artísticas de participación social, han “parasitado” como otra forma de resistencia y visibilidad al mercado del arte, donde se ha comercializado el arte desmaterializado de los sesentas y setentas, refiriendo como ejemplo reciente a un joven artista como Tino Sehgal, quien ya vende sus inmateriales performances en la poderosa galería neoyorquina Marian Goodman.

DESDE LATINOAMÉRICA. Para Cuauhtémoc Medina, la emergencia de lo que hoy constituye el arte contemporáneo latinoamericano viene acompañada de una crítica geopolítica. Un hecho histórico que ilustra esta coyuntura es la primer edición de la Bienal de la Habana en 1984, desde la que emergió, según Medina, “un frente complejo de posiciones artísticas críticas en relación a la subversión de la relación de dependencia cultural del norte y el noratlántico que reestructuró el cómo entendemos ‘el nosotros’ de nuestra intervención cultural, volviéndose transparente que hay un proyecto sur en el arte contemporáneo”.

GLOBALIDAD. Vista del malecón de La Habana con la escultura Sweet Emotion del artista cubano Alexander Guerra, obra que formó parte de la exposición Detrás del Muro de la XII Bienal de la Habana 2015. Foto elpais.com (Imágen propuesta pero no incluida en el reportaje original?

GLOBALIDAD. Vista del malecón de La Habana con la escultura Sweet Emotion del artista cubano Alexander Guerra, obra que formó parte de la exposición Detrás del Muro de la XII Bienal de la Habana 2015. Foto elpais.com (Imágen propuesta pero no incluida en el reportaje original?

Esto, agrega, “trajo consigo que las producciones artísticas contemporáneas de América Latina, Asia y África estén atravesadas por el desmantelamiento de las representaciones coloniales y la recuperación de la artillería intelectual de la Teoría de la Dependencia, la cual es una autocrítica de la noción de subdesarrollo y la imposibilidad de rebasar la dependencia económica con los países del norte, y en términos culturales, sobre la mentalidad de dependencia y condición colonial de las clases dirigentes”.

Cuauhtémoc Medina añade “las elites del siglo XX en México se opusieron a la existencia de cultura contemporánea a resultas de La Revolución”. Sin embargo, observa algunos cambios: “la plutocracia que el neoliberalismo ha construido, ha enfocado una parte importante de su negociación de visibilidad y competencia simbólica en gastar en arte histórico y, por primera vez y de manera importante, en arte contemporáneo, lo cual hasta hace cincuenta años era muy raro”.

Medina menciona que “entre más violentas son las batallas de valoración entre las clases plutocráticas globales, más intenso es el modo en que se desprenden posiciones diversificadas”, esto es particularmente sensible en las instituciones, donde algunos compiten con dinero, otros con gritos y críticas, otros con el afecto del público o con los argumentos de los especialistas, siendo en los debates locales donde surgen distorsiones, desde focos nacionalistas hasta angustias en el campo de visibilidad de las clases altas, quienes después de haber participado inocentemente en el escenario artístico del sur, se enfrentan a la complejidad plutocrática del arte internacional, el cual “sigue teniendo su centro de gravedad en el norte”.

El curador Cuauhtémoc Medina. Foto David Franco.

El curador Cuauhtémoc Medina. Foto David Franco.

Finalmente, Cuauhtémoc Medina considera que esto ha hecho que muchas de esas posiciones se encuentren “histerizadas”, ya que se sigue discutiendo la importancia del circuito mercantil que impide participar del debate cultural que lo acompaña, y donde, aun cuando la relación centro-periferia se ha vuelto más compleja, las elites del sur siguen siendo dependientes.

Para Julieta González, desde los noventa, el arte latinoamericano se ha incorporado internacionalmente, sin embargo, América Latina preserva autonomía, independencia discursiva, afán de que no seamos derivativos y de entender el potencial de pensarse desde el tercer mundo. “Yo misma como curadora pienso mi trabajo desde esa postura. Actualmente e l arte en Estados Unidos y Europa opera a partir de la lógica del mercado, en Latinoamérica aun cuando han aumentado las ferias de arte, el mercado sigue siendo incipiente; sin embargo, los artistas en Latinoamérica vuelven a momentos históricos, pero diferente a como se teorizaron o se hizo historiografía en Estados Unidos o Europa”.

La curadora considera interesante que en Latinoamérica los artistas están regresando a momentos como el conceptualismo con deseo de descolonizarse, no sólo en términos políticos, geográficos y económicos, sino también culturalmente.

FORMALISMO Y DIÁLOGO CULTURAL. Estos intercambios culturales han tenido en el arte abstracto un campo fértil. Julieta González señala: “siempre he creído en el potencial de la forma, inclusive la no objetiva o abstracta que sigue vigente en Latinoamérica”, como, según ella, sucede en la obra de la mexicana Magdalena Jitrik, quien reconsidera al Constructivismo Ruso como proyecto social y utópico además de estético y formal. También como el venezolano Alessandro Balteo Yazbeck, quien tiene una instalación sobre los pozos petroleros en Irak, el petróleo venezolano y el papel que tuvo Alexander Calder en Venezuela; o Alexander Apóstol, quien en una reciente exposición en la Sala de Arte Público Siqueiros (SAPS) convirtió, con la ayuda de un matemático en códigos, unos manifiestos de Siqueiros que se podían traducir a música, danza o dibujos abstractos.

DIÁLOGO. Vista dónde fotografías, pinturas y esculturas dialogan en la exposición, Los Sitios de la Abstracción Latinoamericana. Selecciones de la Colección Ella Fontanals-Cisneros, CIFO Art Space, Miami, 2006-07. Foto www.cifo.org

DIÁLOGO. Vista dónde fotografías, pinturas y esculturas entran en contrapunto en la exposición, Los Sitios de la Abstracción Latinoamericana. Selecciones de la Colección Ella Fontanals-Cisneros, CIFO Art Space, Miami, 2006-07. Foto http://www.cifo.org

Si bien Cuauhtémoc Medina afirma que “el arte sirve como un vehículo de intercambio cultural”, también observa matices. “Museos como el MoMA de Nueva York, el Tate de Londres tienen un programa muy definido de modernismo, lo cual ha desatado una relación intensa con el Neoconcretismo Brasileño, Mathias Goeritz o el Op Art venezolano, los cuales han revitalizado los objetos modernistas europeos y norteamericanos que habían perdido su atractivo. A cierto arte latinoamericano, esto le ha venido muy bien, esta producción ahora cerrada, se abre, esto implica que a los brasileños les encantaba Calder, Mondrian, así los argumentos del sur han encontrado visibilidad y aceptación en la historia del arte social, las posiciones de raza, con procesos de inclusión donde algunas ramas se han beneficiado más que otras, como la fotografía brasileña respecto a la fotografía indigenista mexicana o guatemalteca”.

En términos institucionales, González menciona la exposición Los Sitios de la Abstracción Latinoamericana, 2006-2007, del curador venezolano Juan Carlos Ledezma, experto en Constructivismo Ruso, quien a partir de adquisiciones de la Colección Cisneros Fontanals, estableció un contrapunto entre obras de este acervo y fotografías adquiridas que ayudaron a completar esta colección, logrando según ella, “un discurso novedoso, una lectura realmente compleja desde América Latina del Constructivismo, incluyendo inteligentemente a la fotografía”, curaduría que según Julieta González, es “una de las mejores exposiciones que he visto, en general, en los últimos diez años“.

Reportaje publicado el Lunes 14 de Septiembre del 2015. Link al sitio original en el diario La Crónica de Hoy:

http://www.cronica.com.mx/notas/2015/920245.html

DESTACADO: Cómo fue promocionada esta columna el Lunes 14 de Septiembre del 2015 en Twitter:

¿El arte actual es un loop que se repite sin fin?Reportaje con -Julieta González

DESTACADO: Cómo fue promocionada esta columna el Martes 15 de Septiembre del 2015 en Twitter:

Hoy ya nadie habla de invención en el arte contemporáneo Julieta González curadora Museo Jumex

DESTACADO: Cómo fue promocionado este reportaje el 14 de Septiembre del 2015 en Facebook:

Captura de pantalla del comentario que acompañó a la promoción de este Reportaje en Facebook.

Captura de pantalla del comentario que acompañó a la promoción de este Reportaje en Facebook.

Fotografía de la versión impresa que acompaño a la promoción de este reportaje tanto en Facebook como en Twitter el 14 y 15 de Septiembre del 2015.

Fotografía de la versión impresa que acompaño a la promoción de este reportaje tanto en Facebook como en Twitter el 14 y 15 de Septiembre del 2015.

188. Becarios por Siempre, 12 de Septiembre, 2015.

Este pasado 26 de agosto, se difundieron los resultados de las Becas del FONCA para Jóvenes Creadores del 2015. ¿Qué implicaciones tiene recibir becas o estímulos?.

Becarios por Siempre.

Cualquier premio opera en la ambivalencia de un malentendido, donde igual que legitiman carreras o solventan producción artística, comprometen a los beneficiarios con El Estado o los patrocinadores particulares, para quienes la cultura sirve para cuestiones diplomáticas, de marketing, fiscales o turísticas. Adquirir este compromiso genera control y apaciguamiento de la esfera cultural y sus posturas políticas críticas e incendiarias. Con una beca ¿Morderías la mano que te alimenta?; con ellas, El Estado busca evitar la pesadilla política de un artista resentido despotricando en el extranjero contra su gobierno, y los particulares evaden ver frustradas sus estrategias empresariales.

Por lo tanto, para obtener una beca se necesita medir tu “radicalidad política” y que destaques sobre los demás al obtener visibilidad y legitimación previas. ¿Cómo sobresalir?; además del networking básico que implica asistir a eventos para conocer gente del medio a quienes sigues en las redes sociales donde los post y tu colección de Likes simulan cohesión gremial, empatía ideológico-política o estética, se requieren esfuerzos más formales: Un currículum con los proyectos que te dieron a conocer, títulos nobiliarios como maestrías, doctorados, estudios en el extranjero, residencias, etc.; asistir a cursos, diplomados, simposios donde simultáneamente pagas por conocimientos y networking. O puedes aventurarte a emprender proyectos o espacios independientes donde obtienes más contactos y visibilidad.

Inevitablemente, la mayoría de los becarios acabarán abandonando el arte, de maestros o funcionarios, y sólo unos cuantos intentarán introducirse al mercado global profesional, donde el nepotismo es una ilusión y los contactos un mero trámite, siendo que la mayoría de los artistas que lo intentan no cuentan con verdadera calidad y pertinencia, viéndose obligados a una derrota final: regresar del extranjero a seguir pidiendo becas.

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artgenetic@gmail.com

Columna publicada el Sábado 12 de Septiembre del 2015. Link al sitio original en el diario La Crónica de Hoy:

http://www.cronica.com.mx/notas/2015/919966.html

DESTACADO: Cómo fue promocionada esta columna el Sábado 17 de Septiembre del 2015 en Twitter:

¿Cual es la peor pesadilla que puede tener un artista? Ser becado por siempre Columna Artgenetic J.Creadores FONCA: http://www.cronica.com.mx/notas/2015/919966.html

DESTACADO: Cómo fue promocionada esta columna el 12 de Septiembre del 2015 en Facebook:

Becas del FONCA 2015 Facebook 12SEP2015.

Captura de pantalla del comentario que acompañó a la promoción de esta columna.

187 La Lección Metzger. 5 de Septiembre, 2015.

Debemos Convertirnos en Idealistas o Morir. Gustav Metzger. Hasta el 25 de octubre. Museo Jumex. Miguel de Cervantes Saavedra 303 Col. Ampliación Granada. Martes a domingo 11:00 a 20:00 horas.

La Lección Metzger.

Gustav Metzger (Nuremberg 1926) introdujo al arte del siglo XX dos conceptos duales, el Arte Destructivo y el Arte Autocreativo. Teniendo como antecedente su participación telefónica en el SITAC del 2004 y las exhibiciones en la Galería Labor de otro artista, como Raphael Montañez Ortiz (2011 y 2014-15), esta curaduría preparada durante varios años por Daniela Pérez resulta ser no sólo la primera exposición de Metzger en México, sino la primera en revisar el arte Auto-Destructivo en nuestro país.

Esta concisa exposición revisa sus manifiestos, conferencias, simposios, acciones y su preocupación por el activismo, la ecología y la participación del público en la obra. Pero son cuatro procesos de la transición entre arte moderno y contemporáneo los determinantes para Metzger: Formalidad estética y experimentación, como sus abstracciones cambiantes con cristal líquido o sus pinturas destruidas con ácido y el binomio entre expresividad afectiva y toma de acción social de su convocatoria a boicotear al mundo artístico dejando de producir arte por tres años o sus múltiples propuestas por colapsar o incluso destruir automóviles.

El hiperespecializado arte contemporáneo nos demuestra cómo estos cuatro procesos que todavía unifican el trabajo de Metzger y al arte de los sesentas paulatinamente derivó en su actual separación: El arte de participación social que hoy busca incorporarse a la cotidianidad del ciudadano común ha perdido su dimensión estética y formal, el arte que se conjuga con la ciencia y tecnología sólo ha alcanzado a simular expresividad y emoción; la pintura ha perdido su curiosidad experimental para convertirse en un mero Formalismo Zombie que remeda hallazgos de otras épocas, y el arte contemporáneo actual se encuentra arrinconado en la esquina mercadotécnica y museológica de una sociedad que cuando lo voltea a ver extrañada lo encuentra incomprensible y extraviado.

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Columna publicada el Sábado 5 de Septiembre del 2015. Link al sitio original en el diario La Crónica de Hoy:

http://www.cronica.com.mx/notas/2015/918708.html

DESTACADO: Cómo fue promocionada esta columna el Sábado 5 de Septiembre del 2015 en Twitter:

Gustav Metzger o la unidad entre experimentación, estética, expresividad y compromiso social. Reseña expo Museo Jumex: http://www.cronica.com.mx/notas/2015/918708.html

DESTACADO: Cómo fue promocionada esta columna el 5 de Septiembre del 2015 y la cual fue compartida nuevamente el Primero de Septiembre del 2015 en Facebook:

Comentario que acompañó a la promoción de esta columna en Facebook el 5 de Septiembre del 2015.

Comentario que acompañó a la promoción de esta columna en Facebook el 5 de Septiembre del 2015.

IMÁGENES Y TEXTOS: Los cuales acompañaron a esta columna para su difusión en Facebook entre el 9 de Septiembre y el 7 de Octubre del 2015:

UNO.

UNO.

DOS.

DOS.

TRES.

TRES.

CUATRO.

CUATRO.

Gustav Metzger Debemos C. Idealistas o Morir M.Jumex Textos e Imágenes Facebook (5) 9SEP2015.

CINCO.

SEIS.

OPINIONES: Vertidas el 14 de Septiembre del 2015 durante la promoción en Facebook de esta columna:

Comentarios de Juan Pablo Macías el 14 de Septiembre del 2015.

Comentario de Juan Pablo Macías el 14 de Septiembre del 2015.

186 Post-Objetualidad Blockbuster. 30 de Agosto, 2015.

El Ideal Infinitamente Variable de lo Popular. Hasta el 7 de febrero, 2016. Museo Universitario de Arte Contemporáneo, MUAC. Miércoles, viernes y domingo de 10:00 a 18:00 horas, jueves y sábado de 10:00 a 20:00 horas.

Post-Objetualidad Blockbuster.

Jeremy Deller es uno de los principales artistas que explora la cultura popular desde el arte contemporáneo. Deller llega a Latinoamérica con una exposición curada por Ferran Barenblit, Amanda de la Garza y Cuauhtémoc Medina, revisión coproducida por el CA2M de Madrid, el MUAC y la Fundación Proa de Buenos Aires.

El eje de esta curaduría lo representan cuatro documentales: El icónico filme, La Batalla de Orgreave, 2001, recreación con mineros originales de su confrontación en 1984 con la policía durante la gran huelga minera de South Yorkshire; Beyond the White Walls, 2012, recuento dedicado a las obras de los noventas de Deller y las entrañables entrevistas a Adrian Street, travesti de la lucha libre británica quien encarna la transición entre la Gran Bretaña industrial y la del entretenimiento, y la de Bruce Lacey, quien fusionó arte, ciencia e imaginativas estrategias pedagógicas, artista antecedente tanto del arte de participación social como del propio Deller.

En un momento como el actual donde exhibiciones Blockbuster como las de Da Vinci, Miguel Ángel o Yayoi Kusama recibieron en México cientos de miles de visitantes, Deller tiene el potencial de conjugar el largo anhelo de tantos artistas por romper la barrera entre arte contemporáneo y el ciudadano común con la presión que tienen funcionarios y curadores por parte de El Estado y patrocinadores por aumentar la cantidad de visitantes a los museos, coyuntura donde sí el arte como manifestación especializada ya no tiene más herramientas estéticas y formales que aportar, sólo queda llevar a sus últimas consecuencias la función social del arte y los museos, siendo Jeremy Deller uno de los artistas post-objetuales que mejor representan globalmente a esta que es una de las encrucijadas clave que el arte contemporáneo enfrenta ante su cambio de paradigmas y creciente institucionalización.

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Columna publicada el Domingo 30 de Agosto del 2015. Link al sitio original en el diario La Crónica de Hoy:

http://www.cronica.com.mx/notas/2015/917655.html

DESTACADO: Cómo fue promocionada esta columna el Miércoles 23 de Septiembre del 2015 en Twitter:

¿De ojo Cuadrado? Jeremy Deller o la fusión del arte el ciudadano común y las presiones de taquilla Reseña expo MUAC http://www.cronica.com.mx/notas/2015/917655.html

DESTACADO: Cómo fue promocionada esta columna el 31 de Agosto del 2015 y la cual fue compartida nuevamente el Primero de Septiembre del 2015 en Facebook:

Comentario que acompañó a la promoción de esta columna en Facebook el 31 de Agosto del 2015.

Comentario que acompañó a la promoción de esta columna en Facebook el 31 de Agosto del 2015.

IMÁGENES Y TEXTOS: Los cuales acompañaron a esta columna para su difusión en Facebook el 31 de Agosto y el Primero de Septiembre del 2015:

UNO.

UNO.

DOS.

DOS.

TRES.

TRES.

CUATRO.

CUATRO.

CINCO.

CINCO.

OPINIONES: Vertidas el 2 de Septiembre del 2015 durante la promoción en Facebook de esta columna:

Jeremy Deller El Ideal infinitamente... MUAC Opinión Facebook 02SEP2015

Comentarios de Julio Espinosa el 2 de Septiembre del 2015.

185 Formalismo y Función Social. 22 de Agosto, 2015.

El retorno de la serpiente. Mathias Goeritz y la Invención de la Arquitectura Emocional. Hasta el 13 de Septiembre. Palacio de Cultura Banamex. Madero 17 Centro Histórico. Lunes a domingo 10:00 a 17:00 horas.

Formalismo y Función Social.

Mathias Goeritz (1915-1990) es revisado por Francisco Reyes Palma en una exposición con 500 obras, documentos, fotografías, maquetas… bajo el auspicio de Banamex, el Museo Reina Sofía y la Fundación Amparo.

La teoría de la Arquitectura Emocional (1954) de Goeritz, según Reyes Palma, implica el trabajo colectivo y multidisciplinario creado en un entorno de amistad y confianza que desemboca en una obra que integra al espectador al causarle emoción y asombro. Es el punto de partida para trazar una compleja red de relaciones, como el anhelo de Goeritz por refundar el arte y regresarlo a un estado primitivo y puro con la Escuela de Altamira en España; su ambivalente relación con la Vanguardia europea, como los Nuevos Realistas o el Grupo Zero; el humor vuelto un ready made por el grupo de Los Hartos, quienes abordaron con ironía al arte de su tiempo; la miope comprensión que tuvo de Goeritz un teórico del Minimalismo como Gregory Battcock, etc.

Sin embargo, el principal logro de la muestra es mostrar la variedad de recursos estéticos y formales adaptados, ampliados o creados por Goeritz: Desde garabatos automáticos o papel arrugado como bocetos de obra mayor, gestualidad pictórica vuelta tinta o vidrio, fotos intervenidas, juegos lingüísticos visuales, la mutabilidad entre lo geométrico, figurativo y simbólico, etc. abrevando así de la Bauhaus, el Expresionismo, el Concretismo y anticipando al Minimalismo o al Arte Conceptual.

Goeritz y esta exhibición resultan pertinentes porque más allá de mostrar la integración entre estética, comunidad y espacio público, nos interrogan ante la inminente derrota del actual arte de participación social: ¿Cómo la densa trama discursiva que une estética y forma con la cultura, comunidad y política puede reactivarse como factor de cambio social?

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Columna publicada el Lunes 24 de Agosto del 2015. Link al sitio original en el diario La Crónica de Hoy:

http://www.cronica.com.mx/notas/2015/916296.html

DESTACADO: Cómo fue promocionada esta columna el 25 de Agosto del 2015 en Twitter:

¿El arte actual es inconexo y disperso? Mathias Goertiz muestra como restaurar su unidad. Reseña expo Palacio Banamex http://www.cronica.com.mx/notas/2015/916296.html

DESTACADO: Cómo fue promocionada esta columna el Lunes 24 de Agosto del 2015 en Facebook:

Comentario que acompañó a la promoción de esta columna en Facebook el lunes 24 de Agosto del 2015.

Comentario que acompañó a la promoción de esta columna en Facebook el lunes 24 de Agosto del 2015.

Likes resultantes de la promoción de esta columna en Facebook el lunes 24 de Agosto del 2015.

Likes resultantes de la promoción de esta columna en Facebook el lunes 24 de Agosto del 2015.

IMÁGENES Y TEXTOS: Cinco piezas y comentarios seleccionados para la difusión en Facebook de esta columna el lunes 17 de Agosto del 2015:

UNO.

UNO.

DOS.

DOS.

TRES.

TRES.

CUATRO.

CUATRO.

CINCO.

CINCO.